Bio

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Contexte et évolution artistique personnelle

L’expression de la « nouvelle figuration » est apparue en 1981, et c’est dans cette perspective que j’ai commencé à développer ma pensée picturale à la fin des années 80. Au début, je ne pouvais pas toujours mettre les bons mots sur ce que je faisais et ressentais. Avec le temps, j’ai pu identifier deux directions distinctes qui ont tracé ma voie artistique au fil des années : le mutationnisme et le cartoonisme. Aujourd’hui, mes créations évoluent vers une nouvelle représentation picturale que j’intitule « Les portraits des espaces intemporels de la pensée », amorcée avec une première collection sous le thème des « Candeurs allégoriques ».

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Context and Personal Artistic Evolution

The expression of “New Figuration” emerged in 1981, and it was within this perspective that I began to develop my pictorial mindset in the late 80s. Initially, I couldn't always find the right words to describe what I was doing and feeling. Over time, I identified two distinct directions that have shaped my artistic path over the years: “Mutationism” and “Cartoonism.” Today, my artwork extends towards a new pictorial representation that I call “Portraits of Timeless Space of Our Thought,” starting with a first collection named “The Allegorical Candour.”

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Le mutationnisme, le début

Mes œuvres regroupées sous l’imagerie du mutationnisme nous ramènent à notre côté animal profondément ancré en nous, que nous dévoilons parfois au fil de notre évolution et de nos expériences de vie. Bien que la majorité des personnes qui apprécient ces travaux aient un penchant plus gothique, ces œuvres s’intègrent parfaitement dans un univers contemporain qui cherche à se démarquer des tendances éphémères.

Je définis ma période de mutationnisme par plusieurs petites phases d’exploration à mes débuts. Je crois que, parfois, lorsque nous sommes jeunes, nous percevons la vie comme un long parcours où le sablier s’écoule très lentement. Nos opinions sont souvent liées à diverses contestations, revendications, frustrations et incompréhensions de ce qu’est la vie, y compris l’environnement qui nous entoure et l’histoire tracée par des millions de personnes avant nous, nous permettant d’exister dans le monde actuel.

Après cette mise en situation, je peux mieux expliquer pourquoi j’ai regroupé diverses créations inspirées par des thèmes plus lugubres, que certains qualifieraient de noirs. Ces œuvres côtoient la vie et la mort, et leur représentation cruelle lorsqu’elles sont habitées par la haine d’autrui. Les guerres, le désir de vivre, les inégalités, les frustrations et les injustices ont inspiré plusieurs de mes créations, comme un cri vers le ciel dénonçant les incohérences de notre société. Elles illustrent des situations imposées par d’autres, se produisant malgré les multiples grâces et bontés que les humains peuvent déployer pour équilibrer le bien et le mal.

J’ai ensuite opéré un virage du sombre vers la lumière en adoptant un développement des couleurs pures, appliquées sans retouches, et des gestes bruts qui m’ont conduit à ce que je décris par la suite comme ma période de « cartoonisme ».

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Mutationism, the Beginning

My artwork, grouped under the imagery of Mutationism, delves into our deeply embedded animalistic nature, which we sometimes reveal through our life's evolution and various situations. While most of the clientele drawn to these pieces tend to have a Gothic inclination, these artworks can easily be featured in contemporary homes looking to stand out from conventional trends.

I define my Mutationism period as a series of exploratory phases early in my career. Often, when we are young, we perceive life as a long journey where the hourglass seems to run very slowly. Our opinions are frequently tied to various contestations, claims, frustrations, and misunderstandings of what life truly is. This includes the environment that surrounds us and the historical legacy laid by millions of people before us, allowing us to exist in the world as we know it today.

After this introduction, it becomes easier to understand why I grouped certain artworks under this particular theme. These works act as a scream to the sky, denouncing the inconsistencies of our society. They reflect situations imposed by others that disrupt our lives, occurring despite the grace and goodness humans can exhibit to balance good and evil.

I eventually transitioned from darker themes to a brighter palette by embracing pure colors applied without retouching and employing instinctive gestures. This shift led to what I later described as my "Cartoonism" period.

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Le Cartoonnisme

Il fut un temps où, après mûre réflexion, je définissais mon style comme étant du « cartoonnisme ». Aujourd'hui, je remarque de plus en plus que de nombreuses œuvres dans le monde actuel pourraient également être interprétées comme du « cartoonnisme » et s'inscriraient parfaitement dans cette expression.

C'est comme si l'évolution d'une certaine peinture figurative, imprégnée par le cinéma, la technologie, la bande dessinée, le pop art, les émojis d'aujourd'hui et bien plus encore, s'exprimait dans une nouvelle forme de figuration. Ce n'est ni de l'art brut, ni de l'art naïf, ni de la bande dessinée, mais bien un reflet de l'état actuel de la figuration, du « cartoonnisme » en un mot. C'est un retour à un art figuratif brut, souvent maîtrisé, devenu une figuration contemporaine qui imprègne notre vie moderne de manière inconsciente. Depuis le petit écran innocent des films et des animations pour enfants jusqu'à nos communications éphémères et mobiles, notre époque technologique nous renvoie ces influences.

C'est ma première tentative de définir ce qu'est le « cartoonnisme » et de mettre en mots ce concept, ce ressenti, que j'ai depuis les années 2000. Je suppose que je développerai davantage ce concept avec le temps, entre deux créations, ou avec l'aide d'un(e) spécialiste en interprétation de l'art. Cependant, ce seront probablement les spécialistes de demain qui valideront ou invalideront ma pensée à ce sujet. Mais d'ici là, nous serons morts, mon frère, comme le chantait si bien Raymond Lévesque.

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Cartoonism

I went through a period where, after much reflection, I defined my artistic style as Cartoonism. I have increasingly noticed this trend in the art world, where many artworks can also be interpreted as Cartoonism. They fit the expression well.

It's as if the evolution of a specific form of figurative painting has been influenced by cinema, technology, cartoons, pop art, emojis, and all these elements simultaneously, creating a new form of artistic figuration that resembles cartoons. This is neither "art brut" nor naive art, nor is it basic cartoons as we knew them, but rather a mirror of the contemporary figurative art of today. For me, this is Cartoonism in a single word. It's a return to a fundamental interpretation of figurative art, often well-mastered, that has become a contemporary representation of the modern figurative imagery embedded in our unconscious and real lives. From the big or small screen, with films and animations for children, to our ephemeral mobile communications, our technological era reflects these influences back to us.

This is my first attempt to define what Cartoonism is and to articulate this concept, this feeling. I have felt this artistic concept since the early 2000s. I imagine that I will further develop the concept in the future, if I have the time between artworks or with the help of an art specialist. However, I believe that the art specialists of tomorrow will be in a better position to confirm or refute my thoughts on this artistic expression and trend. But until then, we will be dead, my friend, as Raymond Lévesque sang so well in his song.

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Les portraits des espaces intemporels de la pensée — 2020 à aujourd’hui

Série #1 : Les candeurs allégoriques

J'ai encore évolué dans ma façon de créer mes tableaux et, depuis un certain temps, j'amorce une nouvelle recherche picturale centrée sur l'être et son esprit.

Aujourd'hui, je la définis comme « des portraits des espaces intemporels de la pensée ». Il s'agit d'une représentation figurative des moments où notre esprit permet un vide, où nous sommes dans un état d'entre-deux, ce bref instant où la conscience et l'inconscience se rencontrent. C'est là qu'un vide se produit dans notre esprit, presque par hasard, l'espace d'une seconde. Cet espace où une réponse est recherchée, mais ne se trouve pas, pour comprendre ce vide soudain et inconnu qui survient dans notre tête, où nous ne sommes attachés à rien, l'instant d'une fraction de seconde. C'est cet instant très court que j'essaie de capturer dans les portraits et les regards de mes personnages. 

Dans cet état d'entre-deux de notre esprit, je souhaite conserver le lien particulier entre le trait de crayon et la peinture, sans effacer le trait pour autant. Mes personnages évoluent dans un univers abstrait, sans référence à des espaces physiques familiers et communs. Cette nouvelle figuration est constituée de plusieurs couches de peinture sur des traits de crayon, ce qui me permet de créer un détail particulier sur les personnages et de maintenir un lien entre l'esquisse et l'évolution de la peinture. Cette figuration est toujours associée à des références linéaires et des formes abstraites. Ce qui en ressort inspire un message spirituel intérieur des personnages, perceptible dans l'ensemble de l'ambiance de l'œuvre qui se dévoile.

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Portraits of the Timeless Spaces of Thought — 2020 to Today

Series #1: The Allegorical Candours

I have further evolved my approach to creating paintings, and for some time now, I have embarked on a new pictorial exploration focused on the being and its spirit.

I can now define this approach as "portraits of the timeless spaces of thought." It is a figurative representation of the moments when our mind allows for an emptiness, where we exist in a state of in-between, that brief moment where consciousness and unconsciousness meet. This is where an emptiness occurs in our mind, almost by chance, for the space of a second. This space where an answer is sought but not found, to understand the sudden and unknown void that appears in our head, where we are unattached to anything for a fraction of a second. It is this very short moment that I attempt to capture in the portraits and gazes of my characters.

In this in-between state of our mind, I wish to preserve the unique link between the pencil sketch and the paint, without erasing the pencil lines entirely. My characters evolve in an abstract universe, devoid of references to familiar and common physical spaces. This new figuration is composed of multiple layers of paint over pencil lines, allowing me to create specific details on the characters and maintain a connection between the sketch and the painting's development. This figuration is always coupled with linear references and abstract forms. The result inspires an inner spiritual message from the characters, which is felt in the overall atmosphere of the revealed artwork.

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Biographie

Version courte

Sylvain Paré, alias SPARE, est un artiste montréalais créant des tableaux figuratifs urbains colorés depuis la fin des années 80. Ses œuvres libres et sans contraintes se distinguent par des personnages atypiques développés à partir de gestes initiaux de multiples couleurs. Il a grandi dans l'est de Montréal et a débuté la peinture à douze ans. Sa carrière artistique a été marquée par des collaborations et des activités artistiques marginales. Aujourd'hui, il peint dans son propre microcosme, loin des rigueurs du marché de l’art, tout en poursuivant sa passion pour la création.

Version longue

Sylvain Paré, alias SPARE, est un artiste montréalais qui crée des tableaux figuratifs urbains colorés depuis la fin des années 80. Il imagine des figurations uniques de personnages atypiques, amorcées par une première gestuelle de multiples couleurs qui servent de base au développement pictural et déterminent l’orientation de l’œuvre finale. Ses tableaux se développent dans une approche de création libre, sans contrainte ni ligne directrice quant au résultat final. Cette liberté confère à ses œuvres une exclusivité véritable, riche en personnalité, se démarquant des créations standardisées. C’est en observant de près ses toiles que l’on ressent la force et l'individualité de chacun de ses personnages.

Enfant, il fut inspiré à devenir peintre en visionnant à la télévision des performances en noir et blanc de Picasso peignant derrière des vitres. Né à Repentigny, il a grandi dans l’est de Montréal, dans un milieu peu enclin à l’art. Il suit son premier cours de peinture à l’âge de douze ans. Par la suite, il combine son parcours scolaire avec ses créations et la maîtrise ainsi que l’enseignement du Shaolin Kempo. Jeune adulte, il se lie d’amitié avec Richard Beaulieu, qui devient Captain Suicide lors de l’une de leurs nombreuses sessions de création commune. Ils partagent une brève vie en appartement, puis dans un loft collectif avec Jaber Lutfi. Ce lieu devient un centre actif de la scène artistique marginale montréalaise, où il mène une vie de graffiteur nocturne et de participant à des performances de peinture en direct et à des expositions collectives avec des acolytes des Foufounes Électriques, comme Valium. 

Dans ce loft, il initie diverses activités artistiques éclatées, mêlant peinture, poésie, danse, musique et technologie, et organise des expositions hors des circuits traditionnels. Il finit par se retirer, désillusionné par le manque d’ouverture d’esprit et l’individualisme du milieu artistique. 

C’est à ce moment qu’il décide de s’isoler des sentiers artistiques et de créer en marge, tout en restant inspiré par Marcelle Ferron et Armand Vaillancourt. Il a eu l'occasion de connaître Marcelle et d'échanger avec elle, notamment lors d’un encan de tableaux au Centre Canadien d’Architecture, où elle fut la marraine. Avec Armand, il partage quelques moments de vie et lui rend hommage un an avant qu’il reçoive le prix Paul-Émile-Borduas lors des Prix du Québec, événement auquel Armand l’a invité à l’accompagner.

Depuis, il peint dans son microcosme, loin des rigueurs du marché de l’art. Il émancipe aujourd’hui ses personnages, permettant aux collectionneurs de s’enrichir de ses créations, pour les yeux et les regards qui veulent prendre le temps de se poser sur ses tableaux.

Artiste polyvalent, Sylvain Paré a porté différents chapeaux, maîtrisant divers aspects de la création pour jongler avec la vie et poursuivre son art. Directeur artistique, designer graphique et artiste entrepreneur, il est un créatif passionné avec une expérience multifonctionnelle acquise en soutenant et développant des productions diverses, souvent en communication marketing 360, pour diverses entreprises. Mais avant tout, il est un peintre, de cœur et d’âme.

Picasso peignant derrière des vitres (lien YouTube).

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Biography

Short version

Sylvain Paré, alias SPARE, is a Montreal artist who has been creating colorful urban figurative paintings since the late 80s. His free and unconstrained approach produces unique, atypical characters initiated by multicolored gestures. He grew up in Montreal's east end and began painting at twelve. His artistic journey includes collaborations and involvement in marginal artistic activities. Today, he paints in his own microcosm, away from the rigors of the art market, continuing his passionate pursuit of creation.

Long version

Sylvain Paré, alias SPARE, is a Montreal artist who has been creating colorful urban figurative paintings since the late 80s. He imagines unique representations of atypical characters, initiated by an initial gesture of multiple colors that serve as the foundation for the pictorial development and determine the final orientation of the work. His paintings are developed with a free-creation approach, without constraints or guidelines regarding the final outcome. This freedom gives his works a true exclusivity, rich in personality, standing out from standardized creations. It is when viewing his canvases up close that one feels the strength and individuality of each of his characters.

As a child, he was inspired to become a painter after watching a television broadcast of Picasso's black-and-white performances painting behind glass. Born in Repentigny, he grew up in the east of Montreal, in an environment not inclined toward art. He took his first painting class at the age of twelve. Subsequently, he combined his academic journey with his creations and the mastery and teaching of Shaolin Kempo. As a young adult, he befriended Richard Beaulieu, who became Captain Suicide during one of their many co-creative sessions. They shared a brief period living together in an apartment, and later in a collective loft with Jaber Lutfi. This space became an active hub of Montreal's marginal artistic scene, where he led a life of nocturnal graffiti and participated in live painting performances and collective exhibitions with comrades from Foufounes Électriques, like Valium.

From this loft, he initiated various eclectic artistic activities, blending painting, poetry, dance, music, and technology, and organizing off-circuit exhibitions and events. He eventually withdrew, disillusioned by the lack of openness and the individualism in the artistic community.

At that moment, he decided to isolate himself from the artistic paths and create on the fringes, while remaining inspired by Marcelle Ferron and Armand Vaillancourt. He had the opportunity to meet and exchange with Marcelle, notably during an art auction at the Canadian Centre for Architecture, where she was the patron. With Armand, he shared some life moments and paid tribute to him a year before he received the Paul-Émile-Borduas award at the Prix du Québec, an event to which Armand invited him to accompany him and his wife.

Since then, he has been painting in his microcosm, away from the rigors of the art market. He emancipates his characters today, allowing collectors to enrich themselves with his creations, for those who wish to take the time to immerse themselves in his works.

A versatile artist, Sylvain Paré has worn many hats, mastering various aspects of creation to juggle life and pursue his art. Art director, graphic designer, and artistic entrepreneur, he is a passionate creative with multifaceted experience acquired in supporting and developing various productions, often in 360-degree communication marketing, for different companies. But above all, he is a painter, at heart and soul.

Performance of Picasso's painting behind a glass (YouTube link).

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Diaporama du studio

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Slides from the studio

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